Un homenaje técnico.

La realización de una película que convoque a la nostalgia del público (sobre todo de una determinada edad que circunda entre los 40 y 70 años) es una gran idea para llamar la atención de la gente, sobre todo de productores y jurados de diferentes premios. Mostrar una historia que retorna a los clásicos para utilizar su narrativa y estética, es un elemento favorable para que una película como El Artista (The Artist) (2011) esté nominada a tantos premios este año. Esta además tiende a deslumbrar con la realización de consecutivos homenajes a las películas clásicas que se encuentran tanto en la era del cine sonoro como del cine mudo, un aporte interesante para recordar a esos pioneros y grandes personajes del cine, pero que en realidad es una mera repetición técnica para conformar otra producción.

Con una historia normal, lineal, muy al estilo de los relatos de la época a la que se pretende remontar, El Artista recrea una narración entretenida, divertida con mensajes claros como: nada es seguro en la vida y el orgullo no sirve para nada, se debe ser agradecido con lo que se tiene y con cómo se llego a ello. No se puede rescatar nada más de la historia ni de su estructura narrativa que aunque maneja un detonante decente, puntos de giro interesantes, cambios de ritmo buenos y un clímax acorde al tono de la producción, tampoco son elementos con los cuales se pueda destacar esta filmación.

El encanto, y por consiguiente elemento que tienen deslumbrados a los diferentes jurados de pasados premios, es la utilización de un lenguaje audiovisual que ya poco se ve. Una mayor narrativa de la cámara como elemento significante frente a la historia, que permite mostrar los niveles de jerarquía y fuerza que pueden tener los diferentes personajes, en otras palabras, colaboran a reforzar e inspirar en el publico determinados sentimientos e ideas de cada actor, que solo se logran por medio de la imagen. Por ello vemos bastantes planos que recuerdan a películas como El Ciudadano Kane (Citizen Kane) (1941), El ocaso de una Vida (Sunset Blvd)(1950), Nace una estrella (A Star is born) (1954),  Babes on Brodway (1941), entre otra gran cantidad de producciones que manejan el tipo de lenguaje al que se quiere acercar esta cinta contemporánea.

Ese es precisamente el gancho que tiene esta película para acaparar todas las miradas del público. Sin embargo no podemos dejar atrás elementos como el maravilloso tratamiento de la luz, el hecho que sea en blanco y negro o la similitud del protagonista con actores del pasado como: Clark Gable, John Gilbert o hasta el mismo representante de México, Jorge Negrete; que también son ganchos técnicos para la creación de esta película y por ende nos remonta al pasado y nos recuerda innumerables figuras y producciones.

No obstante es de pensar muy bien si por retornar al pasado narrativo y estético, una película deba recibir tal ovación. En realidad el cine es un elemento que ha avanzado desde su creación y su evolución también radica en nuevas formas para narrar audiovisualmente. Es más interesante revisar si un verdadero homenaje se puede hacer por medio de contenido, como ya lo hace una de las competidoras de esta producción, que ovaciona a un grande del cine clásico por medio de su historia, representación y resurrección como personaje, para que el público en realidad conociera a  Méliès. No se niega que la idea de hacer una película con elementos del cine de los años 20 a 50 no sea atractiva e interesante, de hecho la producción es bien lograda gracias a ello, pero en la medida que esto no trabaje mano a mano con la historia para significar lo que realmente se quiere, deja un hueco de insatisfacción, de ya haber visto cosas que sería interesante repetir si tienen el mismo nivel de impacto a como se vieron antiguamente. Es de pensar si cada historia se casa con su lenguaje audiovisual, con la forma en que fue contada, mostrada; para tener ese elemento único que se llama originalidad.

No cabe duda que es una de las películas más nominadas a los diferentes premios y por consiguiente será de las más galardonadas en los mismos, pero no deja de ser una buena producción copiada de la mente de antepasados cinematográficos que lo único que está haciendo en este momento, es llenar la vista del público devolviéndole lo que se observó hace un tiempo, sin pensar que el verdadero mérito, es narrar de forma distinta a lo que ya todo se ha narrado.

Eduardo Castro A

Twitter: @EduardoCastroA

Gracias Scorsesse por Hugo.

Alguna vez leí un mensaje en Twitter que decía: “Gracias Scorsesse por Hugo”. Causó en mí una fuerte impresión y después de verla considero que esta reseña debe tener este título, ya que no solo es necesario destacar el trabajo que hizo este director, sino de igual forma se le debe dar las gracias. Gracias por recordarnos a todos estos increíbles sujetos que dieron inicio al séptimo arte y que en muchas ocasiones, con el pasar del tiempo, olvidamos que existieron y que gracias a ellos podemos ver en la pantalla grande lo que vemos ahora.

En esta ocasión Martin Scorsesse nos trae su obra Hugo (2011), con la que se posiciona en las nominaciones para el Oscar 2012 como mejor Director. Cabe decir que la película también es la más nominada en esta entrega que se llevará a cabo el 26 de Febrero. Este reconocimiento no es algo casual ya que la producción merece ser valorada en muchos aspectos cinematográficos.

El primer elemento es su historia que, al principio puede ser un poco confusa ya que se tiene una visión diferente de lo que venden los trailers, pero luego devela la intención central que la convierte en una magnífica película llena de sentimiento y emoción. La idea de revivir de nuevo a uno de los grandes pioneros del cine y su obra, es un concepto atrayente y emotivo, perfecto para atrapar a un público que ya poco interés y bagaje tiene sobre estos maestros de la cinematografía.

Tomar la narración por medio de lo que es la mecánica y así derivarlo a otros conocimientos como lo es la literatura y el cine, es una increíble forma de narrar esta historia. La convierte en una aventura llena de acertijos y problemas por resolver, que para un adulto pueden no ser complejos, pero para un niño que tiene grandes problemas personales sí. Este motivante de la historia, que lleva al protagonista a encontrar como sea el mensaje de su padre y que este a su vez lo lleva a hacer otro importante descubrimiento, es un claro trabajo de guión que ratifica elementos como el “por qué” su protagonista no pude dar marcha atrás. De igual manera los puntos de giro y el clímax que alcanza la película son logrados de forma maravillosa, capturando la emoción del público por ver (o sentir que está viendo) a tan importante personaje de la historia como lo es Méliès. El sentimiento que embarga el descubrir algo y al mismo tiempo sentir esa fuerza que se opone, brinda el mensaje de perseverancia que debe tener la gente para lograr lo que se quiere. Magnifico enunciado, no solo de la película, sino también de lo que significa la obra de Méliès, que si se conoce su historia, se podrá notar en las maravillosas invenciones que logró para dar vida a sus narraciones, con los escasos recursos que disponía.

Además de la magnífica historia, es importante destacar la forma en la que se muestra. Es de esperarse que una película de tan reconocido director presente una muy buena imagen. En este caso Scorsesse se esmero por realizar, tal vez, una de sus mejores obras fotográficamente hablando, con planos de enfoque selectivo que dan una tridimensionalidad espectacular, atreviéndome a afirmar que poco se necesita el 3D para sentir ese efecto. El manejo del color y la luz dan temperaturas adecuadas y significativas para cada lugar y cada momento de la historia, donde colaboran con la intención de lo que intenta producir el director en el público.

Otro elemento que incorpora al espectador en la producción es su música. Obras increíbles compuestas por Howard Shore que combina elementos de la música clásica, acompañados con el bandoneón, lo que a mi parecer tiene un tono similar al tango (sin embargo desconozco si esta música es típica o se relaciona con Francia). Estas melodías acompañan perfectamente las acciones que ocurren en la película, llenándolas de dramatismo, expectativa y ternura; cada vez que la escena lo amerita. De igual forma armoniza aun más el contexto de la película, trasladando al espectador a la época que allí se muestra.

Para concluir, no se puede dejar atrás el final de la película, que se desprende por un momento de su historia y realiza un montaje de planos mostrando a las figuras más destacadas del cine clásico como un homenaje a esas personas que hemos olvidado, pero que a su vez, sabemos que están ahí y permitieron que este arte siguiera su curso y evolucionara. Realmente es un momento donde se eriza la piel al traer tan emotivos cuadros, imágenes que solo permiten hacer una venia mental y decir gracias, gracias por dar y hacer cine.

Realmente es una obra que merece las once nominaciones al Oscar. Sin embargo, si no se convierte en ganadora de ninguna de ellas, no importa. Es una película que se lleva algo mucho más valioso que los premios y el dinero, se lleva la gratitud de las personas que admiran el cine y conocen lo importante que es recordar a tan destacados personajes, se lleva ese pensamiento que invita a ver de nuevo los clásicos gracias a Hugo y su maravilloso homenaje.

Eduardo Castro A

Twitter: @EduardoCastroA

Una película bonita.

Con un relato lejos de ser aburrido o clichesudo se presenta Los Descendientes (The Descendants) (2011), la última película de Alexander Payne protagonizada por George Clooney; que ha recibido una buena crítica por parte de los medios. Sin embargo, eso no dice la taquilla que ha vendido menos de lo que se esperaba.

Con una historia que merece la adjetivación de “bonita″, se constituye esta interesante y reflexiva producción. Una película sencilla y bien realizada que tiene un sentido definido de comunicación al expresar el mensaje que dice: de un momento a otro la vida pude cambiar de rumbo sin esperarlo. Creer que las cosas se tienen controladas, sobre todo en el ámbito familiar, no es algo tan seguro ni tan sencillo como se cree, y es mejor disfrutar y mantener las cosas lo mejor posible antes de que sea demasiado tarde.

Alexander Payne expresa este mensaje por medio de la historia de Matt King (Clooney) quien ha sufrido una repentina situación familiar al tener a su esposa en coma por un accidente. Pero este no es el drama central de la película. El conflicto real es ver como, después de este repentino suceso, Matt se da cuenta que su hogar es un desastre, que sus hijas están fuera del camino, que su familia es una interesada por el dinero, y que su mujer, a quien tanto cuida; le era infiel. Todos estos repentinos sucesos le cambian la vida a este abogado de Hawái, que debe dejar a un lado su trabajo y su desesperación, para intentar poner orden a su vida personal y lograr que todos, absolutamente “todos“, puedan despedirse de su esposa que ya no tiene salvación. Es así que emprende un camino de cortos viajes alrededor de las islas donde vive, para poder juntar a las personas y lograr su cometido, mientras comparte tiempo con sus hijas que necesitan volver a entrar en el camino del bien y del respeto.

El tratamiento que le da el director a la película es bastante simple. Sin mayor uso del dramatismo y el lenguaje que caracteriza a este género (como se puede esperar que sea la producción, después de los sucesos presentados), muestra al contrario escenarios bastante coloridos, alegres, visualmente atractivos, con planos abiertos y muy bien iluminados que además resalta sus paisajes y arte. Su intensión, al contrario de lo que se puede esperar, es crear una película con bastantes rasgos de comedia. La idea de tratar está historia con una visión diferente, es un aspecto interesante por parte del director, que sin obviar los hechos dolorosos, introduce muy buenas situaciones y gags que hacen reír a los espectadores. Sin embargo se queda ahí, en esperar convertir hechos que pueden ser dramáticos en algo un poco más suave, más hilarante. Esto contribuye a que la película en ese sentido tenga una perdida, la perdida de lo que podría ser una mejor comunicación del mensaje, ya que, así su intención sea comunicar por otros medios, es difícil lograr que el mensaje sea recibido con el mismo impacto a lo que puede ser con el dramatismo, con la tragedia que vive esa familia. Eso hace que la película pierda un poco de alma, de fuerza; y se convierta por el contrario en algo simplista, en una producción que en muchos casos se disipa en la inverosimilitud de situaciones que no son acordes al drama previamente establecido. Reitero que muchas de estas están bien manejadas, pero en relación a todo el contexto, rayan con la línea.

Es importante destacar un aspecto que brinda valor a la película como lo son los silencios o lo que podríamos llamar “tiempos muertos“, donde se expresan demasiadas ideas a pesar de no estar mostrando nada más que un rostro que observa a otro o un hombre que corre desesperado. El manejo de estos tiempos por parte del director es algo increíble ya que con la consecución de imágenes en el montaje y la buena interpretación de los actores, se pueden descifrar los subtextos de los personajes, donde dicen más que si en realidad lo hablaran.

A pesar de su buen manejo de silencios y la presentación cómica de muchas situaciones que se convierten en secuencias bonitas para una historia dramática; Los Descendientes es una película sobrevalorada para lo que comenta últimamente la critica. Esta producción nominada a varios premios Oscar entre ellos: mejor película, mejor dirección y mejor actor; no cumple con todos los estatutos con los que se podría decir que es una película merecedora a los premios, esto precisamente a la fuerza que le falta para presentar su historia y crear vinculación con el público que debería sentir más el evento trágico que allí se presenta. Considero que el premio por el cual debería ser reconocida es el de Mejor Edición al que esta nominado Kevin Tent, quien es el hombre que crea maravillosas secuencias de silencio y expresión.

En realidad, hasta el mismo Globo de Oro a la que fue acreedora, debería ser un premio más que bien servido para la producción, por no decir que en el fondo, competidoras como El Juego de la Fortuna (Moneyball) (2011), Hugo (2011) o Historias Cruzadas (The Help) (2011) tenían más elementos para recibirlo. Es así como esta película es un claro ejemplo de buenas producciones que dejan detalles sueltos los cuales las convierten en producciones para disfrutar y reflexionar pero no para valorar.

Eduardo Castro A
Twitter: @EduardoCastroA

La historia detrás de la historia.

No todas las historias centrales son las historias principales. Existe ahora una tendencia en contar relatos que tienen una estructura distinta a la que estamos acostumbrados, donde el mensaje principal se puede dar en una historia secundaria que acompaña a la problemática central. Son en ocasiones relatos confusos que pueden enredar al espectador respecto a lo que se esta contando, frente a la idea o historia principal que se quiere transmitir, pero al mismo tiempo da innovación frente a la narrativa que se expone y logra así brindar dinamismo a la historia.

Es de esta forma que se presenta La Chica del Dragón Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo) (2011), la última película del director David Fincher, basada en la novela de Stieg Larsson. Con un relato que puede ser catalogado como misterioso, la película realmente reúne tres tramas que se unen entre si para forma una sola historia. En cierto modo, la reunión de estas tres tramas permite que la historia sea dinámica pero al mismo tiempo, al final, puede confundir; ya que lo que se puede considerar como la trama principal no resulta siendolo específicamente; es, por el contrario, una que se construye por debajo de todas esas historias que va a relevarse en el verdadero final, precisamente es la historia de la chica del dragón tatuado.

Es interesante ver como por medio de una vía diferente a la del enfoque de un personaje, se pueden develar otras historias. Es uno de los grandes aportes de esta película, que a pesar de estar mostrando un relato especifico, en cierta medida ajeno al personaje central, en realidad lo que cuenta es la vida de una persona con grandes problemas pero a su ves fuertes virtudes que ayudan a resolver el misterio que se considera principal. Esta adolescente con conflictos, también se vuelve parte de este relato, que puede indicar (en un principio) que tiene cartas en el asunto, pero que al final su vinculación se da más por la experiencia propia en tanto a lo que a sufrido, que a lo que tiene que ver con la supuesta trama central. Es esto lo que permite que la historia no tenga ninguna debilidad para volverse predecible y que todas las suposiciones que pueda tener el público, se vean derrumbadas con el transcurrir de la producción.

De igual forma el manejo que le da el director permite que la información sea dada con regularidad, no ocultándola del espectador pero si brindando los datos necesarios para que el público intuya diferentes acciones que pueden pasar. De igual forma no es solo importante destacar esta presentación del relato, sino de igual manera el tratamiento de la imagen que allí se da, que además de tener una excelente presentación de créditos llena de dinamismo e imágenes que invocan a una mezcla del snuff y la nueva ola cibernética por medio de una performance muy bien lograda, también maneja la fotografía y la planimetría dando el tono especifico que requiere la película. Con tonalidades frías en un escenario no muy distinto a la temperatura de la fotografía, se muestran unas maravillosas locaciones que adquieren esta característica, no por su belleza natural, si no por el aporte que le hacen a la historia, un aporte que enseña lo lúgubre y misterioso del relato que allí se cuenta.

Al igual que el tratamiento de la imagen, se destaca el enfoque del personaje de Rooney Mara (Lisbeth), que tiene un carácter particular causado por su problema psicológico y social que es allí mencionado. Siendo una gran construcción de personaje por parte de esta actriz, considero que lo más significativo es el profesionalismo con el que lo encara. Es un papel bastante fuerte, introspectivo y en cierto modo psicótico, que demuestra su irreverencia y al mismo tiempo su inteligencia para afrontar situaciones, sin embargo el lograr interpretarlo no debe ser nada fácil ya que deben manifestarse tal cual es, con su agresividad, rudeza y tendencia anarquista, lo cual acarrea un trabajo mental fuerte. Todos los desnudos y actitudes fuertes que allí se presentan son logro de ese trabajo bien realizado por el conjunto de director y actriz que permiten dar vida a este personaje no tan común en la sociedad.

A pesar de que la novela de Stieg Larsson trate como tema central este particular caso de asesinatos que se puede intuir por el titulo del libro, David Fincher va un poco más allá y además de mostrarnos una historia cruda e interesante, también nos devela otra al desarrollar más a esta particular asistente que trabaja para el personaje de Daniel Craig. Esta historia debajo de la historia es un relato muy interesante de analizar ya que es otra forma de contar las películas. Es atrayente para los dedicados al oficio y en general para el público. No es gratis que los ojos de varios personajes se hayan postrado últimamente en la producción ni que se haya echo merecedora de varias nominaciones a diferentes premios. De echo, gracias al trabajo profundo y la historia que envuelve a Lizbeth, la actriz Rooney Mara se encuentra nominada en este momento para los Oscares como mejor actriz, y aunque es poco probable que gane gracias a su fuerte competencia, es digno reconocer el buen trabajo que realizó para llevar acabo ese personaje, un personaje que dejó una marca al igual que su dragón tatuado.

Eduardo Castro A
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La Fuerza del “Cuarto Poder”.

Cuando los hombres de ley deciden entrar en la política e intentar hacer un cambio radical para la sociedad, deben pensarlo dos veces antes de tomar tan arriesgada decisión. Ellos no saben en el huracán que se meten cuando toda su vida se puede ver destapada por el único poder que no pueden controlar: El Cuarto Poder.

Los medios de comunicación se vuelven implacables con cualquier personaje público que intente regir la vida de los ciudadanos, realizan demandas y pueden causar revuelos que en ocasiones ni un mismo país puede soportar. La imagen de estos personajes debe ser intachable y si algún error se cruza en su camino debe ser eliminado para no afectar a toda una sociedad. Esto convierte a estos mandatarios y sus equipos en personas corrompidas y chantajistas, que se introducen en el circulo de la corrupción y la politiquería.

Es precisamente esto lo que muestra Secretos de Estado (The Ides of March) (2011), película dirigida por George Clooney y protagonizada por él mismo, acompañado de Ryan Gosling, el joven actor de: El Diario de Noa (The Notebook) (2004), Half Nelson (2006) y Drive (2011). Aquí Dan Dunne (Gosling) es la cabeza estratégica y segundo al mando de la campaña del Gobernador Mike Morris (Clooney), que después de ser víctima de una sucia trampa política y enterarse de una difícil situación que compromete al gobernador, debe cambiar su pensamiento fiel y honesto por el de un corrupto manipulador. A eso lo lleva la traición de su amigo Paul Zara (Philip Seymour Hoffman) aprobada por Morrys y la manipulación de Tom Duffy (Paul Giamatti) que mueve las fichas de una forma adecuada para que la campaña del Gobernador Morris caiga y la de su candidato triunfe. Sin embargo Dunne esconde un As bajo la manga que le permitirá manipular al Gobernador Morrys y voltear así todo a su favor causando daño a los que más se lo hicieron.

La historia demuestra la facilidad que tiene los medios de destruir a una persona. Que por un pequeño dato se puede ir todo un trabajo y una reputación por el sanitario. La fuerza de la manipulación de la información, que puede enajenar personas y voces sin importar lo que hayan hecho o que tan honestas sean. Realmente quien domina la información, domina el poder.
Además de enviar este mensaje, la película también tiene unos buenos puntos de giro, fuertes y que causan impacto en el espectador. Hay un momento especifico donde estos problemas se dan consecutivamente, elevando la tensión en la película y logrando causar preguntas hacia la situación del protagonista. En ese sentido está muy bien diseñada y la adaptación del libro queda bien expuesta por parte de la obra cinematográfica.

Sin embargo la película tiene un error clave e inmenso, que gracias a ello, la tensión que ha generado se diluye como una nube de polvo, y lo bien logrado que hace hasta la mitad de la historia, se borra al igual que una huella en la arena. Su error se reduce a que no hay ninguna acción de los antagonistas por evitar o causar una represalia a las acciones del protagonista, en otras palabras, los antagonistas se dejan golpear por una única vez del protagonista, rindiéndose ante él de inmediato. No oponen resistencia o más obstáculos a Dunne para llegar a su objetivo, siendo que ellos poseen más experiencia y tienen más poder en el campo donde se da la contienda. Al suceder esto de inmediato se genera otro problema: la película acaba cuando el público menos lo espera, el espectador queda con hambre de más, no se para de su silla esperando ver que hará Morrys o Paul para no dejarse chantajear, pero no, es necesario que el público abandone la sala por que la película ha llegado a su fin.

Este gran problema es (a consideración) una de las consecuencias por las cuales esta película no figura en las nominaciones a los premios Oscares como mejor película, ni en mejor dirección, ni en mejor actor principal y escasamente entra como mejor guión adaptado; que de ser la ganadora de la categoría, estaría hablando en un principio muy mal del libro, teniendo en cuenta que los libros manejan otras categorías de percepción, distintas a las del cine, pero que sin embargo no le estaría haciendo una buena reputación.

Con un mensaje fuerte y conciso, con un drama bien llevado hasta la mitad de la película y con uno de los desenlaces mas perturbadores de la historia del cine, se crea esta producción que lleno expectativas y desilusiono al momento mismo de prenderse las luces finales de las salas de cine.

Eduardo Castro A
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La estatuilla dorada empieza con sorpresas.

Los Oscares 2012 ya han anunciado sus nominados, dando bastantes sorpresas con la salida y entrada de producciones y personajes que no esperábamos. Las categorías que más se vieron afectadas por las inesperadas nominaciones fueron la de mejor película, mejor actor principal, mejor director, mejor película animada, y mejor actriz de reparto.

La categoría más importante se vio afectada por varios cambios en sus nominaciones, que en realidad no se esperaban, ya que previos premios, criticas y rumores daban los puestos a otras películas. Es así como La Chica del Dragón Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo) (2011), Media Noche en París (Midnight in Paris) (2011) y Secretos de Estado (The Ides of March) (2011) se quedaron por fuera de las nominadas y a la expectativa de que otras nominaciones saquen la cara en los aclamados premios. De este inesperado suceso, la producción que menos pierde es la escrita y dirigida por el fantástico Woody Allen, que además de no interesarle los premios, está dentro de los cinco más importantes como lo son Mejor Director y Mejor Guión original. Las otras dos se verán rezagadas a esperar que sus nominaciones en Mejor Actriz, Dirección de Fotografía y Mejor Edición por parte de La Chica del Dragón Tatuado y Mejor Guión adaptado por parte de Secretos de Estado, saquen la cara por ellas y se puedan hacer acreedoras de uno de los galardones.

De igual forma fue algo imprevisto que en la categoría de mejor actor no estuviera incluido Leonardo Di Caprio por su interpretación de John Edgar Hoover en la película J. Edgar (2011), la cual había sido bastante destacada por la crítica y algunos cineastas. Al parecer a este “niño bonito de Hollywood” no le fue tan bien esta vez con Clint Eastwood, director de la película, y en su remplazo eligieron a Demián Bichir por A Better Life (2011). Otra novedad, a menor escala, por la misma categoría; es la salida de Ryan Gosling, que muy seguramente habría sido nominado por Secretos de Estado, pero que en la realidad también fue protagonista de una película que está en el ojo del huracán hace mucho tiempo: Drive (2011). Estas son películas que con su participación han tenido buenas críticas y que se esperaba su mención en los Oscares al igual que lo fue en los Globo de Oro. Es una probabilidad que la academia este guardando a este joven actor para más adelante, como ha sucedido con Di Caprio o Brad Pitt, que siendo excelentes en su trabajo y teniendo la trayectoria que tienen, no han podido recibir el preciado galardón. En el caso de Pitt se espera que esta sea la vencida, ya que en otras producciones como Doce Monos (Twelve Monkeys) (1995), El curioso caso de Benjamin Button (The Curious case of Benjamin Button) (2008) y ahora El juego de la Fortuna (Moneyball) (2011), se ha visto un excelente desempeño, aparte de todo su recorrido actoral donde vemos papeles versátiles y muy distintos que podemos recordar como en: Entrevista con el Vampiro (Iterview with the Vampire) (1994), ¿Conoces a Joe Black? (Meet Joe Black) (1998), El club de la Pelea (Fight Club) (1999), Cerdos y Diamantes (Snatch) (2000), entre otras incluyendo la actual nominada El Árbol de la Vida (The Tree of Life) (2011).

En la categoría de Mejor Director hay grandes nombres con los cuales es difícil competir. En este caso se incluyo a Terrence Malick y se dejo por fuera a George Clooney, algo que pudo conmocionar un poco ya que en los Globo de Oro este primer nombre no apareció y de igual forma su película, El Árbol de la Vida, tampoco estuvo nominada a las categorías importantes. Ahora la academia se da cuenta del buen trabajo que existe en la producción y decide darle la posición que se merece con la nominación en dirección y mejor película. Pero las sorpresas en esta categoría no solo se limitan a la salida de un personaje y la entrada del otro. Es importante nombrar un director que logró vencer a Terrence Malick en Cannes y que en los Oscares no entro: Nicolas Winding Refn director de Drive, que hiso un trabajo memorable con esta producción, logrando plasmar en imágenes un muy buen guión y deleitando a muchos con la puesta en escena y el espectacular manejo de actores que realizó. A pesar de que el danés tiene una corta trayectoria, es una pena que no se encuentre entre los directores nominados, ya que su trabajo es digno de elogiar.

Otra de las grandes sorpresas fue la salida de Las Aventuras de Tintín (The Adventures of Tintin) (2011) en la categoría a mejor película animada, siendo que se hizo acreedora del Globo de Oro 2012, y es una producción con animación de gran nivel, y una historia fiel a la historieta de Hergé. Muchos de los asistentes a los cines fueron impactados por las imágenes y los seguidores del personaje revivieron sus historias con el plus del movimiento. Esta vez la academia no quiso brindarle un puesto a esta producción, quizá por la fuerte posición que tiene Caballo de Guerra (War Horse) (2011) con su compartido director Steven Spilberg, que son grandes opcionados a llevarse el premio como Mejor Película. ¿Sera por esto que la academia no incluyo a Tintín en la categoría de mejor animación? no lo sabremos, pero deja entre dicho la fuerte posibilidad para Spilberg de triunfar con su caballito de guerra.

Finalmente, la categoría de actriz de reparto, también muestra una dura disputa entre sus participantes. Aquí vemos grandes actrices que han cautivado a los jueces con sus actuaciones y han debido descartar a otras que de igual forma han realizado buenos papeles. Es el caso de la cuota latinoamericana que tiene en esta entrega los Oscares, con Bérénice Bejo en The Artist (2011), que cautivo con su papel flamante y dinámico al lado de Jean Dujardin. Sin embargo la siguen con fuerza la ganadora del Globo de Oro 2012, Octavia Spencer y Jessica Chastain de la película Historias Cruzadas (The Help) (2011), que encarnan papeles totalmente distintos que tienen que convivir. Es posible que el maravilloso complemento que hacen las dos haya exaltado aun más sus actuaciones ya que el desempeño de ambas provocan una acercamiento por parte del público hacia los personajes, logrando sentir sus penas, sufrimientos y alegrías. Además se debe destacar el desempeño de Jessica Chastain no solo por Historias Cruzadas sino también por El Árbol de la Vida que, junto a Brad Pitt, encarnan una pareja con problemas donde ella exalta esa madre sumisa pero bondadosa con sus hijos, contraparte de lo que es el personaje interpretado por Pitt.

Con todas las sorpresas en las nominaciones, ahora solo tocará esperar si la entrega genera más de un impacto con los elegidos para llevarse el galardón el próximo 26 de Febrero de 2012. Sin embargo las apuestas dan como fuertes ganadoras a las mismas que favoreció el Globo de Oro, lo cual convertiría a los Oscares en una película de magnífico inicio con un pésimo final.

Eduardo Castro A
Twitter: @EduardoCastroA

La esclavitud de los años 60 y discriminación de la actualidad.

A pesar que la esclavitud fue abolida en 1865 en todo el territorio Estadounidense, hasta los años sesenta seguían utilizando formas precarias para tratar a las personas de color, segregando y discriminando a personas que solo servían de la mejor manera a los blancos e impartían mejores valores que cualquiera de los “señores” que allí existían. Los tratos entre blancos y negros y la diferencia de situaciones económicas, reflejaban un claro maltrato por parte de algunas personas blancas ante los afroamericanos, que solo realizaban su trabajo para subsistir, y que como cualquier otro ser humano, tenían sus necesidades que podían ser fácilmente compartidas con un semejante como lo es un blanco.

Esta dramática realidad es reflejada en la película Historias Cruzadas (The Help) (2011) que además de mostrar la discriminación, profundiza en mostrar pequeños actos segregantes realizados en contra de los afroamericanos, relatados desde su punto de vista, desde el punto de vista real de cómo sucedieron las cosas.

Con una adaptación muy acorde a la novela escrita por Kathryn Stockett, la película narra la situación que vive Aibileen Clark (Viola Davis), Minny Jackson (Octavia Spencer) y el resto de una comunidad afroamericana que, a pesar de haber conseguido su libertad décadas atrás, seguían recibiendo tratos igual o peores a lo que recibían sus antepasados esclavos por parte de los blancos americanos. Es cuando estas mujeres, cansadas de las groserías y la discriminación, deciden tomar acción contra estos maltratos y apoyar la idea de Skeeter Phelan (Emma Stone) de escribir un libro con las anécdotas de las mucamas, maltratadas por sus mismas amigas y vecinas.

Los hechos allí mostrados son magníficamente interpretados por Viola Davis y Octavia Spencer, esta última merecedora del Globo de Oro 2012 por tan espectacular interpretación, que logra expresar y hacer sentir el sufrimiento y la impotencia de una mujer que ya no confía en la raza blanca y que presenta una evolución evidente al convivir con Celia Foote (Jessica Chastain). La actuación es fuerte y contundente pero al mismo tiempo pacífica ya que el personaje se deja transformar por esta última, quien es una mujer enternecedora e inocente, que a pesar de su voluptuosidad (y como se percibe esto por parte de la sociedad), tiene buen corazón; elemento que hace notar muy bien Chastain y que muestra sus grandes dotes de actriz.  Es lógico que haya sido nominada a los Globo de Oro 2012 y muy seguramente a los Oscares ya que cambia la imagen que tiene ante el público al compararla con el personaje realizado en El Árbol de la Vida (The Tree of Life) (2011). Es también muy importante rescatar la actuación de Bryce Dallas Howard y sus dotes histriónicas, ya que su personaje, Hilly Holbrook, produce en el espectador el sentimiento contrario a lo que inspira Celia; una mujer de corazón frio, aberrante y con gran facilidad para hacer sentir mal a la gente y discriminar. Su trabajo actoral es muy importante ya que presenta otra faceta distinta a la de niña pacífica y buena como lo ha hecho en papeles de reconocidas películas como: Más allá de la vida (Hereafter)(2010), La dama en el Agua (Lady in the Water)(2006), Eclipse (2010), entre otras.

Finalmente no se puede quedar atrás el mensaje profundo que da esta producción, que a pesar de contar una historia de discriminación por parte del blanco hacia el negro (elemento cultural que en la actualidad se ha reducido), también tiene una crítica fuerte hacia el trabajo de servidumbre. Un trabajo por muchos subvalorado y considerado para personas de escasos recursos, lo que lleva a muchos círculos sociales a segregar y en casos hasta maltratar a estas personas. No es por nada, que en la última entrega de los Globo de Oro, Octavia Spencer haya dedicado con entusiasmo su premio a este gremio, antes que a su gente, ya que en su papel, se ve reflejado muchos casos de maltrato que se tiene hacia las mucamas sin importa su origen o raza.

Esta última critica o mensaje enviado por la película le está diciendo al mundo “basta ya con cualquier tipo de segregación, discriminación o maltrato”. Si se quiere llegar a una Paz, se debe detener este tipo de actos entre razas, culturas, labores y posiciones sociales, donde prevalezca el respeto y la ayuda mutua para un ejercicio de la buena convivencia, una convivencia en paz.

Eduardo Castro A
Twitter: @EduardoCastroA

Una entrega sin muchas sorpresas.

Una vez más transcurrió la entrega de Los Globo de Oro 2012 en la ciudad de Los Ángeles. Sin muchas sorpresas, se dieron los premios a reconocidas figuras de la cinematografía que ya preparaban sus manos para el ansiado premio. La verdad, en muchos casos se esperaban sorpresas donde las favoritas como de Los Descendientes (The Descendants)(2011) o The Artist (2011) no ganaran los premios más fuertes de la noche como lo son Mejor Película y Mejores Actuaciones principales. La mejor Dirección también era esperada, gracias a la maravillosa película que creó Martin Scorsesse y por último el premio homenaje fue dado a uno de los actores más representativos del cine norteamericano y mundial, además bien merecido gracias a la diversidad de papeles en el que lo hemos visto y nos ha hecho sentir Morgan Freeman.

Al parecer los premios solo dieron dos relativas “sorpresas” en las categorías de animación y Mejor Actriz. El primero fue la difícil elección que se dio con Las Aventuras de Tintín (The Adventures of Tintín) (2011) ya que existían otras competidoras como El gato con Botas (Puss in Boots)(2011) y Rango (2011) las cuales tuvieron muy buena acogida entre el público y la crítica. Además, compartiendo Director con la también nominada Caballo de Guerra (War Horse) (2011) que era una de las favoritas, no solo de los Globo de Oro si no de los próximos Oscares, no se veía posible que pudiera hacerse acreedora del premio.

La segunda sorpresa es el premio al que se hizo acreedora Meryl Streep ya que con este Globo de Oro acumula ocho en su carrera actoral y se posiciona como una de las personalidades con mayor cantidad de estos premios en su registro, seguida por Jack Nicholson con seis. Además se tenía como una posible ganadora a Glenn Close por su magnífico papel en Albert Nobbs que fue bastante destacado por la prensa estadounidense e internacional, sin embargo al parecer fue más fuerte la Margaret Tatcher que interpreto la ganadora que además deja entre dicho su buen perfil para recibir el Oscar este año.

Ahora solo queda esperar las pronunciaciones por parte de la academia, que este 24 de Enero darán sus nominaciones, para finalmente brindar su resolución el 26 de Febrero cuando se reúnan en el Teatro Kodak en Los Ángeles. Sin embargo estos Globos de Oro ya perfilan a muchas favoritas para ganar la preciada estatuilla dorada de Hollywood, que este año tiene posibilidades para dar de que hablar.

Eduardo Castro A
Twitter: @EduardoCastroA

Cada vez más cerca de la realidad.

En la última década el género de animación ha cobrado gran fuerza en el mundo cinematográfico. Grandes productoras han surgido mostrando interesantes historias y sobre todo técnicas de animación muy avanzadas que intentan ser lo más files a la realidad. Ejemplos recientes, al cine de mayor consumo por parte del continente americano y europeo, son Pixar y Dreamworks, gracias a las fuertes producciones que han desarrollado. Sin embargo no se pueden dejar atrás empresas estadounidenses y japonesas como: Square Company, Studio Ghibli, Illuminatión Entertainment, entre otras; que realizan también grandes animaciones como: Final Fantasy (en sus diversas historias), Mi Villano Favorito (Despicable me)(2010), Rango (2011), entre otras grandes animaciones de buena factura y gran popularidad.

Ahora Columbia y Paramount Pictures se han lanzado al intrépido mundo de la animación produciendo una de las últimas películas de Steven Spielberg, Las Aventuras de Tíntín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin)(2011). Esta película, que además contó con la producción de Peter Jackson, ha sido una de las animaciones más vista durante el 2011 y 2012 en varios países del mundo, donde, además de la excelente taquilla, ha recibido muy buenas críticas por parte del mundo cinematográfico, de tal forma que ya se encuentra nominada para los Globos de Oro como mejor película de animación y muy posiblemente esté en la mira de los Oscares para la misma categoría. Esto ha sido posible gracias a dos factores muy importantes que se rescatan la obra cinematográfica: la primera, su fidelidad a las historietas, y la segunda, y más importante, su técnica de animación.

Como en todas las películas que vienen de una adaptación, se esperaba que Las Aventuras de Tintín fuera fiel a las historietas que su creador Georges Remi (Hergé) había creado, y siendo así, no decepcionó. El relato es apegado a las historietas francesas que construyo el escritor belga, cautivando al público con mucha aventura y acción. Los personajes son rescatados con una gran interpretación en movimiento, extrayéndolos de esa quietud de la que siempre habían sido víctimas en las historias. De igual forma, y como elemento principal, se sujeta de relatos que ya habían sido escritos por Hergé que, a los seguidores de las aventuras, les habrá traído grandes recuerdos de los libros: El tesoro de Rackham el Rojo, El secreto del unicornio y El cangrejo de las pinzas de oro, historias de donde se sujeto la película para la realización de su guión, y a los cuales fue muy fiel y evitó al máximo modificar los contenidos. Sin embargo, en algunos momentos de la historia, hay elementos que son resueltos con mucha facilidad, utilizando la carta de la casualidad que es muy delicada y puede parecer facilista. Es claro que para el público infantil es perfecto, pero existe un público de culto que no traga entero esas acciones y por el contrario exige que cada paso sea tratado como originalmente lo hacen las historietas, lleno de acertijos, complicaciones y descubrimientos.

A pesar de la fidelidad y la interesante historia que posee esta producción, su fuerte radica en otro aspecto que a la gran mayoría ha cautivado, su animación. Esta se realizó con la técnica llamada “Captura de Interpretación” (Motion Capture) que consiste, ya no solo en animar por computador, si no, en captar los movimientos del actor por medio de un traje con sensores, lo que obviamente obliga al actor a interactuar para registrar los movimientos que luego el personaje interpretará. Además del traje, los actores son constantemente captados por varias cámaras que registran su actuación en diferentes planos para el futuro montaje de la película. Con esto se reduce la necesidad de detener la interpretación para cambiar de plano y se puede conseguir un movimiento más fluido y una mejor captura de las acciones (Ver video). Esta moderna y desarrollada técnica, tiene algunos partidarios y otros detractores, ya que a pesar de su modernidad y buen funcionamiento, es una técnica bastante cara y requiere de un gran despliegue. Muchos de sus detractores insisten que en programas de animación muy sofisticados como Maya, se pueden realizar las mismas animaciones sin necesidad de tanta inversión y despliegue técnico.

Sin embargo, a pesar de la técnica (que ya había sido utilizada por James Cameron en Avatar) y sus distintas críticas a favor y en contra, la animación de Las Aventuras de Tintín va más allá de su realización. Es una producción que cuenta con una textura muy bien definida en las pieles y los objetos, que acercan mucho más al espectador con lo real, logrando, en muchos casos, percibir que algunas cosas son tangibles, reales. Los pesos de los personajes son muy bien manejados (elemento que debemos atribuírselo a la técnica) y tiene una de las mejores planimetrías de la historia del cine animado (elemento que debemos atribuírselo a su director) ya que presenta cuadros muy bien diseñados, que permiten percibir tanto los detalles de una buena animación como el tono dramático exacto de cada secuencia ya sea de acción, misterio o comedia. Es extraño en muchas animaciones 3D contemporáneas tener tantos primerísimos primeros planos o planos detalles donde, además de no hacerlos, cuando se hacen no se tiene tal perfección en la luz, los colores, y las texturas.

Realmente es una película que vale la pena ser observada en la pantalla grande. Una digna representante de lo que a veces se debe recomendar para disfrutar en el cine, ya que en TV o video podría perderse muchos detalles interesantes de su realización. Es claro que si quiere volver a revivir esos maravillosos y divertidos momentos que le brindaban las historietas del intrépido Tintín, no puede faltar a esta presentación que prácticamente, lo va sacar de la pantalla.

Eduardo Castro A
Twitter: @EduardoCastroA

El sueño de las estrellas.

Continuando con el camino a los Oscares, no podemos dejar por fuera el éxito de taquilla, Media Noche en Paris (Midnight in Paris)(2011), que estallo las salas en gran parte del mundo y se mantuvo en cartelera por bastante tiempo en varios países de América y Europa.

Esta película, del maravilloso escritor y director Woody Allen, se vio muy bien posicionada por la crítica a pocos días de su estreno. El voz a voz que se generó, y los comentarios que surgieron en la red y demás medios de comunicación, no fueron ajenos para los jurados y diferentes premios que por esta época se van a dar. Es así que ya está nominada a los Globos de Oro como: mejor película de comedia, mejor director, mejor actor y mejor guión; al igual de ya tener prácticamente asegurados sus puestos en los Oscares en las mismas categorías.

Pero ¿qué hace a esta película tan especial? ¿qué logró que su popularidad se incrementara a tal punto de ser una de las favoritas entre el público y la nominada a tantos premios? siendo que la pasada entrega de Allen tuvo malas critica y realmente no fue una de sus mejores obras.

Aunque parece para algunos algo sencillo, para otros no lo es tanto. La combinación entre la fantasía y la realidad que Allen da a la obra es increíble, ya que para muchos construye la reunión de un ideal de personajes, que en realidad existe en diferentes ámbitos (deportivo, matemático, social), y que en este caso lo manifiesta en lo artístico. Es mágica la forma en que trae a nosotros estrellas que solo los conocemos por referencias bibliográficas, su obra, o algunos pocos videos que circulan en la red. Allen, en este caso, vuelve terrenos a estos sujetos que solo los enaltecemos o deploramos por su trabajo, nos muestra otra faceta de ellos, esa humanidad de la que a veces se despojan a estos hombres para solo observarlos como creadores, como artistas. Sin embargo para muchos esto no convence como elemento único, se sugiere que hay algo más en la historia que sorprende. En este caso es importante el magnífico mensaje que trae la historia y se podría afirmar que es ese factor extra que el público busca. Este se reduce a que a pesar de estar rodeado de gente inimaginable (para el ámbito que le importa al personaje) Gil se da cuenta que la época de oro la construye uno, que los elementos y los pensamientos que nos dan la actualidad son igual de valiosos a los que se tenían en 1920 o en 1870, es solo esforzarse y rescatar las maravillas que nos da la actualidad para crear buenas obras de arte, buenos espectáculos deportivos o buenas soluciones para la sociedad. En otras palabras muestra con claridad esa evolución de personaje que se encuentra enfrascado en una ilusión mental y social, para luego salir de ella dándose cuenta que en el pasado no está su futuro, si no, que este futuro lo encontrará en el presente.

Es importante no solo destacar el gran trabajo que tiene esta película en las categorías en las que se encuentra nominada, ya que al parecer muchos se han dejado enceguecer por la maravillosa historia. En realidad ese traslado de épocas no se habría podido llevar a cabo sin la maravillosa dirección de fotografía y dirección de arte, que de forma muy sutil se expone, adecuando las locaciones, los vestuarios, y la luz; para transportarnos a las diferentes eras que allí se muestran. Un trabajo totalmente simple pero fino, donde se deja en claro que no se necesita mucho dinero, si no, más concepto para adecuar los ambientes de la forma en que allí se muestran. Tampoco podemos olvidar los primeros minutos de la película, que más que hacer una introducción, crea una poesía de la ciudad luz. Estas imágenes, acompañadas de la magnífica dirección y musicalización, son básicas para incluir al público en todo el contexto parisino y hacer sentir más la vivencia de encontrarse en un lugar donde las artes y el glamur se han manifestado con gran fuerza en las últimas décadas. Esta poesía es un gran trabajo fotográfico que nivela perfectamente la luz en los momentos secos y húmedos que allí se muestran, plasmando encuadres de sitios espectaculares y muy simbólicos de la capital francesa.

Ahora, los distintos premios deberán juzgar que nivel cinematográfico posee esta obra de arte, que este año, compite con otros grandes títulos y creadores cinematográficos por las estatuillas doradas. Es claro que no tendrá un camino fácil pero en nuestra opinión, y al parecer la de bastantes conocedores y no conocedores del séptimo arte, es una de las fuertes postuladas para ser merecedora de los premios.

Eduardo Castro A
Twitter: @EduardoCastroA